Geneviève Gauckler, Design de personnages

Le mooc que je présente, intitulé « Character Design », ne se limite pas à ce thème. Il aborde l’illustration au sens large, du point de vue de l’artiste lyonnaise Geneviève Gauckler. Parmi les sujets couverts par le cours, qui prend la forme d’un entretien, Gauckler retrouve sa carrière professionnelle de trois décennies d’activités. Elle expose sa méthode de travail, réfléchit à la manière dont naît un style d’illustration et évoque comment la révolution technologique provoquée par Internet a changé les pratiques professionnelles, l’enseignement et les formats de l’illustration d’aujourd’hui.

Geneviève Gauckler voit l’illustration comme un domaine difficile à définir, qui est présent dans différents médias et qui peut être réalisée avec des outils et des techniques variées. Ses illustrations adoptent encore des techniques qu’elle a utilisées pendant sa première carrière professionnelle en tant que graphiste. La photographie et les collages sont des outils essentiels dans son processus de création. Et, en conséquence, elle se considère toujours plus comme une graphiste qu’une illustratrice.

Dans sa méthode de travail, elle dessine des personnages et des scénarios à partir du rassemblement de divers éléments qu’elle découpe à partir de références trouvées dans les journaux, les magazines, les photographies et l’immensité de l’internet. Cela étant, elle retrace les corps et les expressions faciales de ses personnages. Elle définit ce processus comme une « construction ». Son style hybride est également marqué par la récurrence de formes arrondies et de couleurs vives. Elle considère le design des personnages comme sa passion dans le domaine de l’illustration.

Avec un style unique, Gauckler comprend que cette question peut préoccuper les artistes débutants. Elle explique que trouver une identité est un processus qui prend du temps et qui nécessite de la pratique. Au début de la carrière, il est courant d’essayer d’imiter d’autres artistes. Trouver un style dépend de se remettre constamment en question, de savoir ce qui se passe dans le monde du design et de l’art et de se préoccuper davantage du contenu que de la forme. Quelques personnes peuvent avoir un style, mais l’essentiel est que l’artiste sache le faire évoluer et injecter des caractéristiques personnelles dans son art.

Concernant les changements apportés par internet au métier d’illustrateur, Gauckler apprécie les facilités d’avoir des contacts avec des artistes du monde entier, de travailler en tant que freelancer et de promouvoir sa production largement et à faible coût. Gauckler déclare également son amour pour le GIF (Graphics Interchange Format), un format d’image numérique animée issue d’internet. Pour elle, c’est la forme ultime de l’art visuel contemporain, simple, facile à réaliser et doté d’une puissance hypnotique, en raison de sa caractéristique d’être une séquence courte et cyclique.

En revanche, elle pense aussi que travailler dans un environnement entièrement numérique, dans lequel toutes les ressources sont accessibles en quelques clics, place le professionnel dans une zone de confort. C’est précisément la zone de confort qui peut gêner le développement d’un artiste qui, selon elle, doit être constamment obsédée par son parcours.

Bibliographie commentée

Ouvrages

Davies Jo et Duff Leo (éds.), Drawing, the process, Bristol, UK ; Portland, OR, Intellect, 2005.
Jo Davies est illustrateur et auteur de livres pour enfants. Leo Duff est illustratrice, professeure et chercheuse. Cet ouvrage est une collection d’articles présentés lors d’une conférence tenue à l’Université de Kingston, à Londres. Il couvre des sujets de l’histoire de l’illustration, tels que les techniques de Michel-Ange, aux discussions contemporaines telles que l’illustration en trois dimensions avec des logiciels.

Frank Jane, Paint or Pixel: the Digital Divide in Illustration Art, 2008.
Jane Frank est écrivaine et collectionneuse d’art. Dans cet ouvrage, elle se concentre sur la question de l’impact de la révolution numérique sur la création et la consommation de l’art. Cela soulève des questions sur la légitimité de l’illustration numérique en tant qu’une expression artistique. La discussion est basée sur les opinions et les expériences des illustrateurs traditionnels et d’autres professionnels dont la production est entièrement numérique.

Male Alan, Illustration: A Theoretical & Contextual Perspective, New York, AVA Publishing, 2007.
Alan Male est un illustrateur et professeur anglais. Dans ce livre, il explore la pratique de l’illustration à l’époque contemporaine. Il aborde la sphère de la méthodologie de travail d’un illustrateur professionnel, le langage visuel, le rôle social de l’illustration à travers l’histoire et dans différents domaines de la connaissance. Ce livre n’est pas un manuel de dessin, mais un guide sur la façon de penser l’illustration.

Massuet Jean-Baptiste, Le dessin animé au pays du film: quand l’animation graphique rencontre le cinéma en prises de vues réelles, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2017 (Le spectaculaire Série cinéma).
Jean-Baptiste Massuet est maître de conférences à l’université Rennes 2. Dans cet ouvrage, il aborde la relation et les limites entre l’illustration et l’image du cinéma. Pour ce faire, il jette un regard sur l’histoire de l’industrie cinématographique américaine, notamment Holywood et Disney. Actuellement, avec les avancées technologiques, l’utilisation d’effets spéciaux numériques conduit à la conception d’images hybrides, et à la difficulté ou l’impossibilité de distinguer ce qui est réel et ce qu’est la création artistique.

Wigan Mark, Text and Image: n. written or printed words or computer data/ n. a representation, an image or conception, Erscheinungsort nicht ermittelbar, AVA Publishing SA, 2008 (Basics illustration series; 3).
Mark Wigan est un artiste visuel anglais, connu internationalement comme l’un des pionniers de l’art urbain. Dans ce livre, il réfléchit sur la relation entre le texte et l’image dans les illustrations. Pour cela, l’auteur analyse des exemples d’art classique et contemporain. Il explore la construction du sens dans les œuvres et explique comment les images impactent le public de manière directe ou inconsciente.

Revues

Caraco Benjamin, « Enseigner la bande dessinée : le cas de l’atelier d’illustration de l’École des arts décoratifs de Strasbourg », Societes Representations N° 47 (1), Éditions de la Sorbonne, 17.05.2019, pp. 237‑259.
Cet article de Benjamin Caraco consiste en une étude de cas sur l’enseignement de la bande dessinée à l’École des Arts Décoratifs de Strasbourg. Il examine l’historique du studio d’illustration de l’institution, fondé en 1972, et l’évolution du programme du cours depuis lors.

Denis Sébastien, « Cinéma d’animation : une « French touch » au succès planétaire ! », Nectart N° 8 (1), Éditions de l’Attribut, 22.01.2019, pp. 144‑151.
Dans cet article, Sébastien Denis aborde les particularités du cinéma d’animation produit sur le territoire français. L’auteur fait un survol historique des productions françaises depuis 1920. De là, il explique que, en dehors de la logique dominante de l’industrie nord-américaine, la France a développé son propre scénario de cinéma d’animation, avec des thèmes, une esthétique et une économie propres.

Diouf Laurent, Vincent Anne et Worms Anne-Cécile, « Les arts numériques », Dossiers du CRISP N° 81 (1), CRISP, 2013, pp. 9‑84.
Dans cet article, las chercheuses recherchent d’abord des définitions sur les arts numériques. Un survol historique et une répartition des catégories de création sont effectués. Ensuite, elles se concentrent sur le contexte de la production d’art numérique au sein de la communauté française.

Tuduri Claude, « Pour un art des images numériques », Etudes Tome 403 (10), S.E.R., 2005, pp. 363‑373.
Cet article de Claude Tuduri propose des pistes de catégorisation des arts numériques initialement, du point de vue technique et technologique. Deuxièmement, selon des critères esthétiques, il observe que l’hybridation est le concept clé de la création numérique, car le support numérique permet de mélanger les médias de manière illimitée par rapport aux supports analogiques.

Wechsler Judith, Pécorari Gérard et Thivat Patricia-Laure, « Dessin et film d’animation : Ruth Lingford et William Kentridge », Ligeia N° 77-80 (2), Éditions Ligeia, 2007, pp. 188‑195.
Dans cet article, les chercheurs abordent l’illustration des films d’animation à partir des travaux de Ruth Lingford et William Kentridge. Des sujets tels que la formation académique des artistes et leur carrière professionnelle dans le cinéma d’animation sont abordés.

Autres

Creating Compelling Characters: Insights from a Panel of Character Concept Artists, 1:16:34. En ligne: https://www.youtube.com/watch?v=lA5HG8Q4sKg, consulté le 28.04.2020.
Dans ce panel de la GDC (Game Development Conference), les illustrateurs Claire Hummel, Richard Lyons, Simon Stafsnes Andersen, Laurel Austin et Justin Thavirat ont exposé leur méthodologie de travail pour la création de personnages pour les jeux vidéo, en particulier l’ensemble du processus impliqué avant le dessin. Ils parlent de la façon dont le récit dans lequel le personnage est inséré influence la façon dont il est représenté visuellement.

Finding your Art Style, 6:36. En ligne: https://www.youtube.com/watch?v=gH2NaWZJMX8, consulté le 27.04.2020.
Dans cette vidéo, l’illustrateur Matthias Pilhede aborde la question du style d’illustration. C’est souvent une préoccupation commune pour de nombreux designers, en particulier les débutants. Pilhede expose des techniques pour développer un style personnel, mais évoque en même temps des questions sur le besoin réel de chaque artiste de dessiner avec une identité restreinte. Comme argument, il expose son portfolio, qui présente des illustrations aux caractéristiques différentes.

The Art of Illustration | Off Book | PBS Digital Studios, 7:24. En ligne: https://www.youtube.com/watch?v=ZPQ-8Kty8X4, consulté le 28.04.2020.
Dans cette vidéo, les illustrateurs Steven Guarnaccia, Yuko Shimisu, Sean Murphy et Molly Crabapple parlent de l’histoire de l’illustration et de leurs domaines professionnels. Ils décrivent leurs méthodes de travail dans l’illustration éditoriale et les bandes dessinées.

The Habits of Effective Artists, 28:54. En ligne: https://www.youtube.com/watch?v=vM39qhXle4g, consulté le 28.04.2020.
Dans cette vidéo, l’artiste numérique Andrew Price explique comment être un illustrateur plus efficace. Pour cela, il donne un exemple de sept techniques appliquées par lui dans son travail quotidien. Les sujets traités vont de la gestion du temps à la formation du regard l’illustrateur.

Training Yourself to Draw From Imagination – Peter Han, 28:08. En ligne: https://www.youtube.com/watch?v=6-8ED4DW6A0, consulté le 27.04.2020.
L’illustrateur Peter Han expose sa technique personnelle de dessin à partir de l’imagination. Sans aucune référence dans les photographies ou tout type d’images, il crée des personnages. Han explique comment et pourquoi développer cette méthode.

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